Identité Prénom / Nom L’artiste présenté sur cette photographie s’appelle Gérard Garouste.
Spécialité : Gérard Garouste est un peintre avant tout mais aussi un graveur, un sculpteur et même un écrivain : « l’intranquille »
Date de naissance: Il est né le 10 Mars 1946 à Paris et continue sa carrière d’artiste aujourd’hui.
Siècle C’est un artiste contemporain du XXème siècle, il est français et mondialement reconnu.
Parcours : Etudes : Gérard Garouste passe ses années de collège au collège du Moncel. De 1965 à 1972, il fait des études aux Beaux-arts à Paris dans l’atelier de Gustave Singier. Périodes de travail : Il commence à travailler à partir de 1979, en 1991 il crée une association d’action éducative : « la Source » qui aide les enfants de milieux défavorisés à s’intégrer par la pratique des arts. En 1980 :Il expose pour la première fois à la galerie Durand-Dessert , une peinture figurative, mythologique et allégorique. C’est le début de sa reconnaissance internationale. En 1987 : Au CAPC de Bordeaux, il présente les huiles sur toiles et acryliques sur indienne. En 1989 : Il réalise le rideau de la scène du Théâtre du Châtelet. En 1991 : Il crée l'association « La Source » En 1996 : il reçoit une commande d'une œuvre monumentale pour la Bibliothèque nationale de France, en mélangeant de la peinture et du fer forgé.
Grandes caractéristiques de son travail : Gérard Garouste se passionne pour les mythes, les religions, l’iconographie religieuse et aussi par les contes et les légendes.
Œuvres célèbres 1ere œuvre : Photographie de l’œuvre : Nom de l'œuvre : Le nom de l’œuvre est « Adhara » Date de réalisation : Cette œuvre a été réalisée en 1981. Dimensions Elle mesure 73 cm de hauteur sur 50 cm de largueur. Technique : Ce tableau est une peinture à huile sur toile intégrant la technique du grattage. Lieu d'exposition : Elle a été exposée dans le musée national d’Art moderne –Centre Georges Pompidou Thème principal : C’est sa première composition. Son nom vient d’un astre de la constellation du Chien.
2eme œuvre : Photographie de l’œuvre : Nom de l'œuvre : Le nom de l’œuvre est « Le vol du fou » Date de réalisation : Cette œuvre a était réalisée en 2003 Dimensions : Elle mesure 130 cm de hauteur sur 81 cm de largueur. Technique : La technique de ce tableau est la peinture à l'huile. Lieu d'exposition : inconnu
Thème principal : Cette peinture est une représentation d’un homme qui se révolte contre ce qu’on lui a appris dans son enfance. Il veut faire bouger les choses.
Courant artistique auquel appartient l’artiste Description du courant : Gérard Garouste se situe hors des courants et des modes artistiques. Car ses travaux sont souvent en décalage avec les pratiques artistiques pourtant, il appartient au courant de « l’art figuratif contemporain », il se dit « anti conceptuel ». d’autres diront qu’il appartient au « post modernisme » Mais on peut dire que ses œuvres sont figuratives car elles représentent des objets ou des personnages réels vus avec une sensibilité propre à lui.
Noms d'artistes du même courant Piero Della Francesca, Greco, Vélasquez… Les apports de l'artiste dans le courant : C’est un artiste français qui apporte beaucoup d’originalité car il a ses racines dans l’art classique tout en étant très moderne dans ses thèmes et ses représentations. Il est aussi doué dans d’autres domaines que celui de la peinture : gravure, sculpture, théâtre, littérature…
Sa situation dans son époque : Gérard Garouste est un artiste militant, car il lutte contre toutes les discriminations : religieuses, raciales et/ ou sociales.
Joan Fontcuberta est né en 1955 à Barcelone. Il est historien, photographe, essayiste, enseignant et commissaire d’exposition et il est un artiste multidisciplinaire. Il suit des études en communication à l’Université Autonome de Barcelone de 1972 à 1977, avant de travailler dans la publicité, le journalisme et d’enseigner à l’École des Beaux Arts de Barcelone. À partir de 1974, il s’oriente définitivement vers les arts plastiques, et met en application ses diverses expériences dans la réalisation de ses projets créatifs. Par ailleurs, il développe une réflexion critique et théorique sur la photographie en publiant articles et essais divers. Au début des années 1980, il est co-fondateur de la revue “Photovision” (une publication internationale consacrée à la photographie et aux arts visuels) et membre fondateur de la “Primavera fotogràfica” à Barcelone (Printemps Photographique).
Ses travaux constituent une contribution majeure à la question de la vérité dans l’art. Pour Fontcuberta, « la photographie est pure invention, et toutes les photographies le sont sans exception ».
Sa démarche s’articule autour de la mise en doute perpétuelle des modes de représentation et de la véracité des informations véhiculées par les médias. Il touche ainsi à des domaines divers tels que la science, la mythologie, les légendes et les faits historiques.
Chaque projet est très documenté et analysé avant d’être mis en oeuvre en usant des codes de représentation de l’univers abordé; ses sujets sont souvent présentés de façon scientifique.
Joan Fontcuberta brouille les pistes et utilise notre mémoire collective à travers des projets de fiction, des canulars basés sur la réalité, à moins que ce ne soit la réalité qui se base sur la fiction. Il réalise des montages et des trucages dans les images qui nous laissent une impression d’étrangeté.
L’ensemble de son travail est fortement influencé par le milieu surréaliste ainsi que par la dimension analytique de l’art conceptuel.
Comme nous l'avons dit, sa démarche est simulatrice et s’appuie sur les possibilités offertes par l’image photographique et ses capacités de manipulation. Pour exemple, la série « Faune », créée entre 1985 et 1989, est un mélange de photographies, textes, cartographies, schémas, vitrines et vidéos dont l’installation simule avec force détails les découvertes faites par un soi-disant professeur Ameisenhaufen, zoologiste de son état. Par l’insolite et le vraisemblable, Joan Fontcuberta gagne la confiance du spectateur.
Ses recherches actuelles se situent dans la création d'une géographie virtuelle avec des paysages générés grâce à un logiciel de simulation photoréalistique qui a été conçu pour interpréter des chefs d’oeuvres dans l’histoire du paysage (Courbet, Cézanne, Monet, etc.) comme s’il s’agissait de données cartographiques. Joan Fontcuberta travaille également sur la parodie d’un parti politique, avec ses candidats souriants et ses fausses promesses.
Cephalopodization - Juan Fontcuberta
Sélection des dernières expositions :
2009 Les Rencontres d’Arles 40ème édition, France - Blow up Blow up, Dels Angels Barcelone
2008 Des monstres et des prodiges, musée-château, Annecy, France - Sputnik, Artothèque, Annecy, France-Botanica Oculta, Photomuseim, Zarautz, Espagne - Googlegramamas, galerie Braunbehrens, Munich, Allemagne - Deconstructing Osama, Fundacio Octubre, Valence, Espagne
Sélection de publications :
2006 Perfida Imago de Jacques Terrasa, Le temps qu’il fait
2006 Sciences-Friction de Nathalie Parienté et Joan Fontcuberta, Somogy
2005 Miracles et Cie, Actes Sud, France
2001 Joan Fontcuberta de Christian Caujolle, (recueil de photographie de J. Fontcuberta), Phaidon
1996 Le Baiser de Judas: Photographies et Vérité, Actes Sud, France
Opalka fait de la peinture, de la photographie et des enregistrements sonores.
Date de naissance et de décès : Cet artiste d'origine polonaise est né dans la Somme en 1931 mort le 6 août 2011 en Italie.
Siècle : XXème siècle
Parcours
Études
Il est diplômé de l'Académie desBeaux-arts de Varsovie et professeur d'Art à la Maison de la culture de Varsovie (1958-1960).
Périodes de travail :
-A partir de 1965, Opalka décide de peindre sur des toiles noires la suite des nombres de un à l'infini en blanc avec un pinceau n°O sur des toiles de 196 x 135 cm. Il intitule ses toiles Détail.
-A partir de 1972, il ajoute à chaque fond d'une nouvelle toile 1% de blanc, si bien que les nombres se fondent progressivement dans le support sur lequel ils sont inscrits.
-Il enregistre quotidiennement le son de sa voix prononçant les nombres qu'il est en train de peindre.
-Enfin, il termine chaque séance de travail en réalisant son autoportrait photographique.
Grandes caractéristiques / but
L’œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe, à travers ses autoportraits, une suite de nombres peints à l’infini, et ses enregistrements de sa voix changeant sensiblement au fil des années. Les autoportraits qu’il réalise après chaque toile peinte, montrent le blanchiment de ses cheveux, et les signes de vieillesse. Le fait que ses toiles et ses photographies soient en noir et blanc et systématiquement réalisés dans les mêmes conditions enlève tout détail superflu, toute anecdote reproduisant : toujours le même cadrage, la même lumière, le même point de vue frontal, le même processus… Renouvelant sans cesse le même dispositif, Opalka fait de sa vie une œuvre.
Roman Opalka se photographiant dans son atelier
"Ma position fondamentale, programme de toute ma vie, se traduit dans un processus de travail enregistrant une progression qui est à la fois un document sur le temps et sa définition".Roman Opalka.
Le dialogue permanent avec le temps qui passe, la progression de l’usure, la vieillesse est un face à face avec la mort incontournable.
Pour n'en conserver que l'essentiel, son œuvre matérialise la durée même de sa propre vie.
Ici le temps qui passe n’est pas réglé par l’horloge mais l’acte de peindre, la pulsation du geste répété sur la toile. C’est une œuvre méditative sur l’œuvre elle-même et sur le temps.
Œuvres célèbres
1ère œuvre :
Photographie de l’œuvre
Nom de l'œuvre : « Détail »
Date de réalisation 1965
Dimensions : 196 x 135 cm
Technique : Peinture avec pinceau numéro zéro.
Thème principal
Le thème principal de cette œuvre est le temps qui passe montré par la progression des nombres peints dans une suite infinie.
2ème œuvre :
Photographie
Nom de l'œuvre : Série d’autoportraits numérotés.
Date de réalisation
Sa série d’autoportrait a été réalisée à partir de 1965 jusqu’à la fin de ses jours.
Dimensions : Les photographies mesurent 24x30,50 cm.
Technique : Photographie noire blanc sur papier
Thème principal
"... ce que je nomme mon autoportrait, est composé de milliers de jours de travail. Chacun d'eux correspond au nombre et au moment précis où je me suis arrêté de peindre après une séance de travail. "R. Opalka
Courant artistique auquel appartient l’artiste
Description du courant et Noms d'artistes du même courant
Le travail de Roman Opalka pourrait se rapprocher par certain côtés de l’art conceptuel de Joseph Kosuth qui nous propose par exemple une chaise exposée, sa photographie et sa définition.
Les apports de l'artiste dans le courant
Alors qu’on pourrait reprocher sa froideur à l’art conceptuel, le travail d’Opalka est empreint quant à lui d’une dimension humaine même si elle est montrée avec beaucoup de rigueur et de systématisme. Cette dimension qui nous fait nous rapprocher de la mort.
Sa situation dans son époque
Le travail d’opalka montre un grand réalisme par son souci d’objectivité. Ses autoportraits sont célèbres ainsi que ses peintures en raison de sa démarche plutôt extrême, répétitive et rigoureuse. Son œuvre témoigne de toute sa vie.
Jason de Caires Taylor né le 12 août 1974 est un sculpteur anglais célèbre pour ses sculptures plongées dans la mer et vouées à devenir l’habitat de la faune et la flore sous-marine. Son œuvre qui marque le temps qui passe et témoigne de notre époque, est à la fois respectueuse de l’écologie nous le verrons et visible dans des espaces publics.
Né d'un père anglais et de mère guyanaise,Taylor spent the earlier part of his life growing up in Europe and Asia. Taylor a passé son enfance en Europe et en Asie, notamment à plonger près des récifs coralliens. Ceci est certainement l'empreinte qui marquera par la suite tout son travail de sculpture. Ce lien avec la mer se confirme plus tard alors qu'il est instructeur de plongée.
Une autre empreinte marquante est peut-être celle aussi de son adolescence, alors qu'il était artiste de graffiti. Son travail résonne toujours entre l'art et l'environnement, naturel ou urbain afin de s'exposer dans les espaces publics, à distance des musées et des galeries d'art.
Taylor reconnait l’influence de la cathédrale de Canterbury, d'où son engouement pour la sculpture sur pierre. Et plus tard, cet artiste à plusieurs casquettes, travaille dans la conception de jeux et d'installations de concerts avec des grues, des élévateurs, ce qui facilitera sa compréhension de projets à grande échelle.
Depuis 2006 il remplace les sculptures de pierre par des sculptures en ciment, supervise des grues, utilise des scaphandres, pour immerger ses personnages issus de notre vie quotidienne au fond de l’eau ainsi que des natures mortes.
A 10 m au-dessous de l'eau, le public peut alors interagir avec ce paysage artistique sous-marin, ainsi que la nature qui reprend ses droits par le recouvrement progressif d’algues et de coraux. Quand aux poissons, ils bénéficient d’un habitat nouveau dans lequel ils semblent se plaire ajoutant une touche vivante à l’inertie des personnages sculptés.
Ces récifs artificiels soulignent les processus écologiques naturels, le temps qui passe, l'usure, la prolifération de la nature.
Les personnages et les objets immergés racontent notre quotidien. Ils sont à l'échelle réelle, grandeur nature. Un clin d'œil pour un archéologue du futur qui pourrait découvrir notre mode de vie, nos faciès, nos tenues vestimentaires, nos objets. Quant à l'attitude des personnages, ils semblent en attente, espérant se languissant, regardant l'infini au-dessus parfois ou se questionnant.
De plus, la démarche de Taylor s’inscrit dans une dynamique écologique. En effet soulevant les problèmes de la pollution des eaux, son travail est reconnu pour favoriser un respect touristique et œuvre vers la réhabilitation de massifs de coraux. Pour encourager les coraux à se développer, il utilise un mélange de ciment de qualité marine, le sable et des micro-silices pour produire un béton à pH neutre qui est renforcé avec armature en fibre de verre. Additionally some sculptures contain other materials such as ceramic tiles and glass making them from 95% of inert materials.[ 15 ]All the sculptures are based on living people who are life casted.[ 16 ]Over time the sculptures phenotypical qualities alter as they slowly evolve from rock to living artificial reefs. En outre, certaines sculptures contiennent d'autres matériaux comme les carreaux de céramique et de verre ce qui leur confère la qualité de matériaux inertes à 95%.(DÉFINITION :Les déchets inertes sont des déchets minéraux non pollués. Ils ne se décomposent pas, ne brûlent pas et ne produisent aucune réaction physique ou chimique. Ils ne sont pas biodégradables et ne se détériorent pas au contact d'autres matières d'une manière susceptible d'entraîner une pollution de l'environnement ou de nuire à la santé humaine. Ces déchets proviennent des activités de construction, de réhabilitation (rénovation) et de démolition liées au secteur du bâtiment, ainsi que des activités liées à la réalisation et à l'entretien d'ouvrages publics (routes, ponts, réseaux…). Parmi les déchets inertes produits par le secteur du bâtiment on trouve : le béton, les briques, les tuiles, les céramiques, les carrelages, les matériaux à base de gypse. Extrait dehttp://www.arecpc.com/artisan/dechet/inerte.html)
Parmi ses créations :
·Grace Reef a été la première installation dans le parc sous-marin de Cancun au Mexique et est composée de 16 figures féminines. (Moilinere Bay Sculpture Park, Grenade 2006)
·Le Correspondant perdu, un homme solitaire assis à un bureau couvert d’articles sur la révolution cubaine.
·vicissitudes, un anneau de 26 enfants se tenant la main et face au courant. (Moilinere Bay Sculpture Park, Grenade 2006)
·Solitude inversée,une figure désolée d'un homme suspendu tête en bas depuis un ponton de plongée dans une carrière qui a une profondeur de 80 mètres. When looking up at the figure from below a reflected image is presented on the surface of the water.[ 22 ](Centre national de plongée et d’activités sous-marines, Chepstow, Commission en avril 2008 pour la télévision Smart Art
·Alluvions, A une profondeur de 3-6 mètres au-dessus du pont de Westgate,2 female figures, constructed of cement and recycled glass which is internally illuminated and fixed to river bed.[ 22 ]2 personnages féminins, construits en ciment et en verre recyclé, éclairés de l'intérieur et fixés au lit de la rivière. (fleuve Stour, Canterbury, Kent avril 2008.) At a depth of 3–6 feet over the Westgate Bridge.
Taylor utilise différentes implantations pour son travail y compris la terre, l'eau douce et la mer des Caraïbes. In 2008, in his home town ofCanterbury,KentinEngland, Alluvia was submerged in the River Stour making a local statement. Alluvia draws reference to the painting of by Sir John Everett Milaise″Ophilia(1851–1852)″.[ 21 ]The piece consists of two individual sculptures.
Jason Taylor aime à parler de l’interaction entre la nature et l’homme, d’un apport positif et symbiotique. Il observe comment l’objet change avec son environnement. L’eau modifie l’apparence de ses sculptures. Elle difracte la lumière, ses mouvements déforment, elle amplifie comme une loupe.
Le travail de Jason Taylor suscite un intérêt grandissant. On retrouve notamment de nombreux articles dans des revues comme National Géographique, Vogue, Daily Télégraphes... On est et la diffusion de documentaires à son propos sur des chaînes telles que la BBC, Discovery Chanel, CNN, métro police, Thalassa...
Sa notoriété a pris de l'ampleur quand en 1906 il crée son premier parc de sculptures sous-marines à Grenade à l'ouest de l'Inde.
Actuellement dès lors et fondateur et directeur artistique du musée de l'art sous-marin de Cancun au Mexique (Arte Museo de subacuatico, MUSA) qui est le plus grand musée de sculptures sous-marines.
Joshua Allen Haris est un artste contemporain qui appratient au street art new-yorkais.
Les artistes de ce mouvement utilisent le support de la rue pour leurs créations : 3D graffitis, stickers, affiche, pochoir, peinture, graffitis, installation dans l'espace de la ville. D'abord réservé aux initiés, le street art connaît un essort relativement récent et rapide favorisé par internet.
Joshua Allen Haris réalise des instalations urbaines créées à partir de sacs en plastique prenant forme grâce à l'air provenant des grilles de métro.
Ses sculptures gonflables ne s'exposent pas dans une galerie ou un musée mais dans la rue.
Elles s'animent au gré du souffle laissant les piétons amusés ou surpris. Un bestiaire d'animaux familiers, de monstres et de créatures mythologiques viennent peupler les trottoirs new-yorkais.
Mot clé : Personnages aux formes rondes et voluptueuses
II.Parcours
A la mort de son père, Fernando Botero fut élevé par son oncle qui l'oblige à devenir torero. Celui ci l'inscrit dans une école de taureaumachie mais deux ans après ses débuts il arrête à cause da sa peur envers les taureaux. Il reste cependant fasciné par la taureaumachie et ses premiers tableaux nous le montre car il y peint des toréros et des taureaux.
Dès ses 16 ans, ses peintures sont publiées dans El Colombiano qui est l'un des journaux les plus importants de la ville ou il habite, Medellin.
Il est expulsé de son collège pour avoir écrit un article sur l'art contemporain européen, peu de temps après que le directeur de son collège lui passe un savon pour avoir fait des dessins de nus destinés à El Colombiano.
Il termina ensuite ses études au collège de San José à Marinilla puis au lycée de l'Université d'Antioquia.
Fernando Botero est dans le métier depuis 1948 (16 ans) à aujourd'hui encore (79 ans).
1932 : Naissance de Fernando Botero, le 19 avril à Medellín, en Colombie.
1944 : Botero est admis dans une école de tauromachie, mais il ne peut vaincre sa peur des taureaux et préfère dessiner des toréadors.
1948 : Botero présente deux de ses aquarelles lors d’une exposition. Il commence à dessiner des illustrations pour le journal El Colombiano.
1951 : Botero s’installe à Bogotá, capitale de la Colombie. Une exposition entièrement consacrée à son œuvre est présentée dans une galerie de Bogotá.
1952 : L’artiste peintre obtient le deuxième prix au Salon des artistes colombiens. Il entreprend un long voyage en Europe, en commençant par l’Espagne. Il étudie en profondeur l’oeuvre des peintres Francisco Goya (1746-1828) et de Diego Vélasquez (1599-1660).
1956 : Botero s’installe à Mexico. Il découvre son style particulier en peignant une mandoline.
1957 : Pour la première fois, une exposition entièrement consacrée aux toiles de Botero est présentée aux États-Unis, à Washington D.C.
1960 : Fernando Botero s’installe cette fois à New York.
1961 : Le Museum of Modern Art de New York fait l’acquisition de la toile Mona Lisa à l’âge de 12 ans de Botero.
1973 : Botero s’initie à la sculpture à Paris. Il en devient passionné.
1974 : Fernando Botero est impliqué dans un grave accident de la route en Espagne. Son jeune fils de quatre ans, Pedro, perd la vie lors de ce tragique événement.
1983 : L’artiste installe un studio à Pietrasanta, en Italie, pour travailler le bronze et le marbre.
1995 : Une sculpture en bronze de Botero, exposée dans sa ville natale de Medellín, est détruite par une attaque terroriste. L’artiste offre aussitôt une nouvelle sculpture comme message de paix.
2004 : Botero travaille à une série d’œuvres portant sur les tortures infligées par les militaires américains aux prisonniers de la prison irakienne d’Abou Ghraïb.
2007 : Une importante exposition intitulée L’univers baroque de Fernando Botero est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec, à Québec.
III.Oeuvres Célèbres
Parmi les oeuvres célèbres de Fernando Botero, voici sa caricature de la Joconde de Léonard de Vinci.
Botero, Mona Lisa,Age Twelve 1963 - Peinture sur toile 212 x 195,5 cm
Exposé au Museum of Modern Art, à New York
« Prendre pour modèle une peinture d'un autre peintre, ce que je fais souvent, c'est se mesurer à la puissance picturale d'une œuvre. Si la position esthétique que l'on a est absolument originale par rapport à celle à laquelle on se confronte, l'œuvre que l'on fait est elle-même originale. » (Pascal Bonafoux, Botero: 1932, volume 20 de Découvrons l'art du XXe siècle, éd. Cercle d'art, 1996, p. 16)
Cependant, pour l'ensemble de son oeuvre, Botéro déclare ne pas travailler avec des modèles :
" Je n’ai jamais travaillé avec des modèles. Un modèle pour moi constituerait une limitation à ma liberté de dessiner ou de peindre. Je n’ai jamais posé trois objets sur une table pour faire une nature morte. Je ne me suis jamais placé, non plus, dans un endroit particulier pour reproduire un paysage. En réalité, je n’ai besoin de rien devant moi. Mes choix de personnages sont arbitraires et tous sont le fruit de mon imagination." (entretien en 2007 Corine Bolla-Paquet, "Botero : je suis une artiste figuratif...", dans Vie des Arts, no 206, printemps 2007)
Fernando Botero, Abu Ghraib 46, 2005.
Courtesy Marlborough Gallery, New York
IV.Courant artistique
Fernando Botero est un artiste contemporain figuratif tel Umberto Menin (Italien) , Maria Faustino (Portugaise) , Andy Warhol et Jenny Holzer (Américains) , Javier Perez (Espagnol) et Ernesto Neto (Brésilien) .
Botero est aussi sculpteur. Entre 1963 et 1964, à cause de contraintes financières il ne pouvait pas travailler avec du bronze car il était trop cher alors il fit ses sculptures avec de la résine acrylique et de la sciure de bois.
Pour ses peintures, il utilisait de grandes toiles.
Fernando Botero fait partie des rares peintres à connaître le succès et la gloire de son vivant.
Il peut se rapprocher de Picasso et de Goya qui ont peint et traduit les horreurs de la guerre avec Guernica ou avec La fusillade du 3 mai 1808.
Mais il est important de préciser que Botero n’a jamais cru que l’art puisse changer la réalité politique. Cela vaut autant pour ses toiles sur Abou Ghraïb que pour celles portant sur les drames colombiens.
Botero fut influencé par l'art européen. Alors que ces contemporains s'inspiraient des révolutions picturales de l'époque, tel le cubisme.
Il s'inspire des peintres de la renaissance, jusqu'à Ingres.
L'emploi de couleurs vives et franches est également omniprésent dans les peintures de Botero.
"Fernando Botero a dû attendre la création de Nature morte à la mandoline pour obtenir un véritable succès. Cette toile représente un moment charnière parce qu’elle fixe son style qui est surtout marqué par la rondeur de ses personnages. Ainsi, Botero explique en ces mots la naissance de sa touche artistique personnelle :
« J'avais toujours cherché à rendre le monumental dans mon œuvre. Un jour, après avoir énormément travaillé, j'ai pris un crayon au hasard et j'ai dessiné une mandoline aux formes très amples comme je le faisais toujours. Mais au moment de dessiner le trou au milieu de l'instrument, je l'ai fait beaucoup plus petit et, soudain la mandoline a pris des proportions d'une monumentalité extraordinaire (...)» (Jean-Marie Tasset, « Botero, le secret de la mandoline », in Botero, éd. Cercle d'art, 2002, p. 9)
Généralement, dans l'œuvre de Botero, ses personnages n'expriment pas de sentiments ni d'états d'âmes.
Enfin, à la question « pourquoi ses personnages sont gros », Botero répond :
« Gros, mes personnages ? Non, ils ont du volume, c'est magique, c'est sensuel. Et c'est ça qui me passionne : retrouver le volume que la peinture contemporaine a complètement oublié ...»
Corrigé du travail de Dimitri Yeremian _ 3° _ 2011
PETIT TEST POUR VOIR SI VOUS AVEZ TOUT RETENU :
1. De quel pays est originaire Fernando Botero ?
A) Le Mexique
B) La Colombie
C) L'Italie
2. Alors que Botero était tout jeune, à quelle profession son oncle le destinait-il ?
A) Médecin
B) Agronome
C) Matador
3. Botero fut expulsé d'un collège jésuite après avoir écrit un article sur un peintre célèbre. De quel peintre s'agit-il ?
A) De Salvador Dali
B) De Pablo Picasso
C) De Paul Gauguin
4. En 1952, Botero étudie la peinture en Espagne. Quel peintre ne l'a pas influencé à cette époque ?
A) Francisco Goya
B) Diego Vélasquez
C) Jérôme Bosch
5. En 1956, Botero a exécuté une toile qui allait changer sa façon de peindre. Qu'a-t-il peint alors ?
A) Une mandoline
B) Un taureau
C) Une ballerine
6. Botero est devenu célèbre après avoir exécuté une toile inspirée d'une oeuvre remarquable. Quelle est cette oeuvre qui l'a inspiré ?
A) Guernica de Pablo Picasso
B) La Joconde de Léonard de Vinci
C) Aristide Bruant d'Henri de Toulouse-Lautrec
7. Au début des années 1960, à New York, le travail de Botero était en complète opposition avec un courant artistique important. Lequel ?
A) Le pop art
B) L'expressionnisme abstrait
C) Le minimalisme
8. Botero a peint une série de tableaux pour dénoncer une bavure de l'armée américaine ? À partir de quel évènement cette bavure s'est-elle déroulée ?
A) La guerre du Vietnam
B) L'invasion de l'Irak
C) Le bombardement d'Hiroshima
9. Outre la peinture, Botero est aussi passionné par une autre forme d'art. Laquelle ?
A) La musique
B) La sculpture
C) La poterie
10. Quelle période historique a particulièrement influencé Fernando Botero ?
A) L'Antiquité
B) Le Moyen Âge
C) La Renaissance
Si vous ne savez plus, retour à la biographie : ))
Sinon voici le corrigé :
1. De quel pays est originaire Fernando Botero ?
B) La Colombie
2. Alors que Botero était tout jeune, à quelle profession son oncle le destinait-il ?
C) Matador
3. Botero fut expulsé d'un collège jésuite après avoir écrit un article sur un peintre célèbre. De quel peintre s'agit-il ?
B) De Pablo Picasso
4. En 1952, Botero étudie la peinture en Espagne. Quel peintre ne l'a pas influencé à cette époque ?
C) Jérôme Bosch
5. En 1956, Botero a exécuté une toile qui allait changer sa façon de peindre. Qu'a-t-il peint alors ?
A) Une mandoline
6. Botero est devenu célèbre après avoir exécuté une toile inspirée d'une oeuvre remarquable. Quelle est cette oeuvre qui l'a inspiré ?
B) La Joconde de Léonard de Vinci
7. Au début des années 1960, à New York, le travail de Botero était en complète opposition avec un courant artistique important. Lequel ?
B) L'expressionnisme abstrait
8. Botero a peint une série de tableaux pour dénoncer une bavure de l'armée américaine ? À partir de quel évènement cette bavure s'est-elle déroulée ?
B) L'invasion de l'Irak
9. Outre la peinture, Botero est aussi passionné par une autre forme d'art. Laquelle ?
B) La sculpture
10. Quelle période historique a particulièrement influencé Fernando Botero ?
Hopper Edward est né en Amérique, à Nyack, à quelques km de New York, le 22 Juillet 1882. C’est un graveur et peintre réaliste du XIX ème siècle. Il peint le plus souvent des œuvres qui représentent l’angoisse des hommes, la solitude, nous faisant nous interroger sur la réalité et l’illusion.
Le 15 Mai 1967, Hopper Edward décède.
v Son parcours
De 1900 à 1906 il fait ses études à la « New York School of Art » .Il était l’élève de Robert Henri. Afin de compléter sa formation il part à Paris pour trois jours entre 1906 -19010.
Là, il rencontre d’autres jeunes peintres.
Les premiers tableaux de Hopper Edward représentent des vues de Paris.
En 1908, il s’installa définitivement à New York, il travailla comme illustrateur et dessinateur publicitaire. Il peint aussi des aquarelles. A cette époque il peignait rarement, il préférait peindre l’été .
En 1913, il vendit sa première œuvre.
De 1915 à 1920, il se fit connaître lors d’expositions et des critiques d’art.
v Œuvres célèbres
« Maison près de la voie ferrée »
1925
Huile sur toile, 81.9 X 101.9 cm
Exposé à New York, au Musée MOMA
« Jeune fille à la machine à coudre »
1921
Huile sur toile, 18 X 19 cm
Exposé à Madrid
« Noctambules »
1942
Huile sur toile 76.2 X 144 cm
Exposé à Chicago, The Art Institute of Chicago
« Drug Store »
1927
Huile sur toile, 73.7 X 101.6 cm
Exposé à Boston, Musée des Beaux Arts
v Courant artistique
Hopper est influencé par le monde de l'art et la culture populaire.
Hopper Edward, dans ses toiles, montre une réalité qui interpelle le spectateur et peut le mettre face à sa propre réalité, sa solitude.
Tous les plus grands artistes peintres d’Amérique, qu’admirait Hopper, l’ont félicité et l’ont admiré à travers ses œuvres qui étaient uniques.
Pendant cette période, Hopper Edward et souvent comparés au plus grands peintres américain du moment , comme par exemple Charles Burchfield .
BIOGRAPHIE DE CHRISTIAN BOLTANSKI (PLASTICIEN FRANCAIS)
Christian Boltanski 1990
I) Son identité
Christian Boltanski est un artiste du 20ème siècle, né le 6 Septembre 1944. C'est un photographe, sculpteur et cinéaste mais il est notamment connu pour ses installations (installations: tissus, lampes, dimensions non-variable, cartons etc...)
II) Son Parcours
Il commence à peindre en 1958 lorsqu'il avait 13ans, il n'a jamais connut de véritable scolarité, ni de suivi, ni de formation artistique au sens du terme. La plupart de ces tableau (généralement en grand format) représentent des personnages dans des circonstances de mort ou encore des scènes historique (son père étant juif, il a été marqué par l'Holocauste).Boltanski s'éloigne de la peinture à partir de 1967 et expérimente l'écriture, par des lettres ou des dossiers qu'il envoie à des personnalités artistiques. Il intègre à son œuvre des éléments issus de son univers personnel, et sa propre biographie, réelle ou imaginaire, devient le thème principal de son œuvre.
Une des particularités de BOLTANSKI est sa capacité à reconstituer des instants de vie avec des objets qui ne lui ont jamais appartenu mais qu'il expose pourtant comme tels. Il raconte une vie qu’il prétend avoir vécu et tous les objets de ses dossiers, livres, collections et autres sont les dépositaires d’un souvenir auquel se rattache un pouvoir émotionnel fort, permettant à chaque individu de s’y reconnaître.
La grande caractéristique de ses tableau et/ou ses installations et qu'il cherche l’émotion à travers toutes les expressions artistiques. Les grands thèmes de ses œuvres sont la mémoire, l'inconscience, l'enfance et la mort.
Cette œuvre fait partie des Vitrines de références, dans lesquelles Christian Boltanski fabrique différents objets et fragments d'une autobiographie fictive où il simule les objets et la panoplie de son enfance. Cette œuvre a été réalisée en 1970. Les matériaux utilisés sont l'acier, le bois, le tissu, la cire etc... Les dimensions de cette œuvre sont 80x 180 x 25 cm. Le thème principal de cette œuvre est de tenir à l'écart le spectateur en instaurant une distance comme pour aseptiser la douleur évoquée par les objets
2) La chambre ovale.
Œuvre réalisé en 1967. C'est de l'acrylique sur de l'isorel. Les dimensions de cette œuvres sont 115x146,5cm. Le thème semble ressurgir d'une mémoire d'enfant.
IV) Courant artistique
Christian Boltanski est un artiste contemporain qui faisait parti du mouvement artistique Narrative Art. Ce mouvement revendique l'utilisation de l'image et d'un texte mais l'utilisation des deux sont séparés le lien doit se faire mentalement. Christian Boltanski est souvent associé à Claude Lévêque.
Corrigé de la biographie de Dzalis Bezdikian - 3° - 2011
Jean-Michel Basquiat est un peintre et graffiteur du XXème siècle est né le 22 décembre 1960 à New York et y est mort le 12 août 1988.
Parcours :
Il est inscrit lors de son adolescence dans une école pour jeunes doués. Pendant toute son enfance, il se passionne pour le dessin. La carrière de Basquiat se divise en trois périodes spécifiques et particulièrement significatives :
- Durant la première, entre 1980 et 1982, l'artiste démontre son obsession pour la mort de l'homme en peignant, la plupart du temps sur toile, des représentations de silhouettes squelettiques ainsi que des visages s'apparentant à des masques.
- De 1982 à 1985, l'artiste révèle son intérêt pour son identité noire et son histoire en représentant des personnages noirs historiques ou contemporains .Son travail se compose essentiellement de peintures sur panneaux multiples, pleines de superpositions d'éléments, allant de l'écriture au collage entre autre.
- La troisième période s'échelonne sur deux ans : de 1986 à 1988, année de sa mort. Basquiat peint en utilisant des techniques, des styles et des éléments jusque là jamais utilisés dans ses œuvres. L'influence de l'héroïne, dont il dépend, est très palpable. En février 1987, la mort d’Andy Warhol vient bouleverser Basquiat, déjà en un très mauvais état suite à ses abus d'héroïne. Il est très touché.
Oeuvres célèbres :
La photographie ci-dessous est celledu célèbre tableau de Jean-Michel Basquiat,«In Italian», réalisé en 1983. Il utilise de la peinture acrylique, de la peinture à l’huile mais aussi des markers sur toile. Le tout est monté sur un support en bois .Le tableau est actuellement exposé à la fondationStephanie et Peter Brant, à Greenwich dans le Connecticut. Il traite du racisme anti afro-américain dont souffrait Basquiat et qui ressort fortement dans la plupart de ses œuvres, comme un leitmotiv.
Jean-Michel Basquiat, «In Italian», 1983
Courant artistique :
Basquiat est la plus importante figure bien connue du mouvement graffiti de la scène de New York dans les années 80, tout comme Kenny Scharf et Keith Haring aux styles encore plus féroces, et autodestructifs. D'autres importants artistes tels que Mike Bildo, Tom Otterness ou Rhonda Zwillinger ont fait parti du mouvement graffiti qui consistait à peindre avec des bombes, des markers sur les murs ou encore sur des toiles.
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